اعلام جزئیات چهارمین جشنواره بین‌المللی «آواها و نواهای رضوی»

مدیرکل فرهنگ و ارشاد اسلامی استان تهران ضمن اعلام جزئیاتی از نحوه برگزاری چهارمین جشنواره بین‌المللی آوا و نواهای رضوی به حضور هنرمندانی از کشورهای خارجی در این رویداد اشاره کرد.

احد جاودانی مدیرکل فرهنگ و ارشاد اسلامی استان تهران با اعلام این خبر گفت: جشنواره آواها و نواهای رضوی در چهارمین سال برگزاری با استقبال هنرمندان و اهالی موسیقی مواجه شده است که این نشان از علاقمندی و ابراز ارادت جامعه هنری و هنرمندان عرصه موسیقی به ساحت نورانی امام هشتم (ع) است.

ما در این دوره از جشنواره با توجه به برنامه‌ریزی‌های مدون و زمانبندی مناسب و با اطلاع رسانی‌های فراگیر و جامع در سطح کشور شاهد تنوع آثار هنری از سراسر کشور بودیم به طوری که هنرمندان غالب استان‌های کشور در این دوره حضور دارند.

جاودانی افزود: در بخش رقابتی جشنواره، هنرمندان شرکت‌کننده آثار خود را در حوزه‌های مولودی خوانی، منقبت خوانی، جاوشی خوانی، مرثیه خوانی، توسل خوانی، منظومه خوانی، ثنا و نیایش، مناجات خوانی، پیش خوانی‌های تعزیه، موسیقی آوازی در تمامی حوزه‌های موسیقی ایرانی (ردیف دستگاهی، مقامی) و نواهای رضوی در حوزه‌های همنوازی ساز و آواز آثار خود را ارائه می‌دهند. بخش غیر رقابتی جشنواره نیز به مرور آثار تولید شده در حوزه رضوی، تجلیل از هنرمندان و ذاکران رضوی و بخش ملل اختصاص دارد.

دبیر چهارمین جشنواره آواها و نواهای رضوی همچنین از حضور هنرمندان خارجی از کشورهایی مانند قزاقستان، افغانستان، ترکیه، آذربایجان و پاکستان خبرداد و گفت: بخش موسیقی ملل این جشنواره برای سومین سال پیاپی با دعوت از هنرمندان سایر کشورها که در حوزه رضوی تولید اثر نموده‌اند به ارائه و معرفی آثار موسیقایی در سطح بین‌المللی می‌پردازد.

شورای سیاستگذاری و داوران این جشنواره متشکل از احمد صدری، حسام‌الدین سراج، شهرام صارمی، مهیار شادروان، هوشنگ جاوید، قاسم رفعتی و جهانگیر نصری هم مسئولیت سیاستگزاری و انتخاب آثار برتر را به عهده دارند.

مدیرکل فرهنگ و ارشاد اسلامی استان تهران خاطرنشان کرد: امیدواریم با برگزاری این دوره از جشنواره شاهد اثرات ممتاز و ارزشمند فرهنگی و هنری در زمینه‌های مختلف موسیقی و در راستای توسعه فرهنگ و معارف اسلامی به ویژه معارف رضوی در استان تهران باشیم.

استان تهران در ایام دهه کرامت و میلاد مسعود امام رضا (ع) و حضرت معصومه (س) از تاریخ ۱۳ تا ۱۵ تیر ماه ۹۸ میزبان برگزاری چهارمین جشنواره آواها و نواهای رضوی از سری برنامه‌های هفدهمین دوره جشنواره بین المللی امام رضا (ع) خواهد بود.

واکنش خانه موسیقی به قانون جدید کنسرت‌ها

خانه موسیقی درپی اعتراضات به قانون اخذ ۱۰ درصد از درآمد حاصل از کنسرت‌ها متنی را در این زمینه منتشر و نسبت به آن اعتراض کرد.

به گزارش ایسنا، متن اطلاعیه خانه موسیقی به شرح زیر است:

«در پی اعلام عمومی تصویب قانون اخذ ده درصد از درآمد حاصل از کنسرت‌ها، مدیرعامل این نهاد صنفی در فرصت‌های مختلف از جمله در دیدار نوروزی با وزیر ارشاد و دیدار اصحاب فرهنگ و هنر با رئیس جمهور، مراتب اعتراض و غیرقابل قبول بودن این مصوبه مضر و غیرفرهنگی اعلام کرده است.

همچنین در چند ملاقات پی در پی با آقای دکتر صالحی، وزیر فرهنگ و ارشاد اسلامی جوانب مختلف این مصوبه غیرکارشناسانه و مغایر با رسالت وزارت ارشاد بحث و ضمن گلایه از این وزارتخانه که بدون توجه به نظر هنرمندان و نمایندگان صنفی این طرح را به مجلس برده‌اند، از وزیر ارشاد خواسته شد به هر شکل ممکن نسبت به جلوگیری از اجحاف به حقوق هنرمندان و فعالان این عرصه اقدامات لازم صورت پذیرد.

در این زمینه آقای نوربخش، مدیرعامل خانه موسیقی در توضیح مضرات این مصوبه در جلسه‌ای دیگر که با حضور ناشران و مسئولان ارشاد در وزارتخانه تشکیل شده بود به نکاتی اشاره و از مسئولان اجرایی خواست تا از اجرایی شدن این مصوبه جلوگیری به عمل آید.

در این زمینه شورای عالی خانه موسیقی ایران در نامه‌ای مستقیم به وزیر محترم فرهنگ و ارشاد اسلامی به شماره (۵۲۵/۹۸ خ م) مورخ ۸ اردیبهشت ۱۳۹۸ ضمن اعتراض شدید به این مصوبه که خسارت‌های جبران ناپذیری به فرهنگ و هنر مملکت وارد خواهد کرد از وزارت ارشاد خواسته تا نسبت به اجرایی نشدن آن تا لغو در مجلس اقدام نماید.

در بخشی از این نامه خطاب به آقای دکتر صالحی چنین آمده است:

“متعاقب اعلام این مصوبه که بدون هیچ‌گونه پیش زمنیه و استطلاعی از اهالی موسیقی مطرح و علی رغم مخالفت کمیسیون فرهنگی به تصویب رسید، خانه موسیقی اعتراض خود را بارها و از طرق مختلف اعلام داشته و از شما به عنوان مقام و متولی اصلی حوزه فرهنگ و وزارت ارشاد به عنوان مهمترین جایگاه دفاع از حقوق حقه هنرمندان انتظار می‌رود با جدیت تمام از اجرایی شدن این مصوبه غلط و تضعیف کننده جریان فرهنگی کشور جلوگیری نمائید.

شورای عالی خانه موسیقی ایران به نمایندگی از صنوف مختلف فعالان حوزه موسیقی بر خود فرض می‌داند تا به منظور جلوگیری از تضییع حقوق مادی و معنوی اعضا و موسیقی دانان کشور، این خواسته را مطرح و مجدانه ضمن درخواست از متولیان امور فرهنگی -در هر سه قوه- بخواهد تا لغو مصوبه مزبور از هیچ‌گونه کوششی فروگذار ننمایند.”

همچنین خانه موسیقی به منظور تبیین ضرر و زیان‌های این مصوبه غیر کارشناسی از برخی نمایندگان مجلس از جمله اعضای کمیسیون فرهنگی دعوت کرده است تا در جلسه‌ای که با حضور ناشران و هنرمندان در محل خانه موسیقی برگزار می‌شود شرکت نمایند.

در پایان خانه موسیقی ضمن حمایت از کلیه اعضا و هنرمندان موسیقی که نسبت به این مصوبه اعتراض دارند امیدوار است تا همه با اتحاد و یکدلی نسبت به طرح مطالبات صنفی تا رسیدن به حقوق حقه همه ی فعالان فرهنگی از هیچ‌گونه کوششی دریغ نورزند.»

این قانون که موجب اعتراضات اهالی موسیقی شده می‌گوید وزارت ارشاد ۱۰ درصد بهای بلیت کنسرت‌ها را در تهران و کلانشهرها اخذ و آن را به خزانه‌داری کل کشور واریز کند.

محمد علیزاده تیتراژ سریال «گاندو» را می‌خواند

محمد علیزاده خواننده موسیقی پاپ قرار است خواننده تیتراژ پایانی سریال «گاندو» باشد. مجتبی امینی تهیه‌کننده «گاندو» است و جواد افشار کارگردانی آن را به عهده دارد.

همزمان با انجام مراحل فنی سریال «گاندو»، محمدعلیزاده موسیقی تیتراژ پایانی این سریال را می‌خواند.

مجتبی امینی تهیه‌کننده سریال «گاندو» درباره مراحل ساخت سریال گاندو گفت: در حال حاضر مشغول انجام مراحل فنی سریال هستیم و به تازگی محمد علیزاده به عنوان خواننده همکاری خود را با ما آغاز کرده است تا سریال برای پخش از شبکه سوم سیما آماده شود.

محمد علیزاده خواننده پاپ پیش از این در سریال «برادر» با جواد افشار همکاری داشته است و بعد از آن، دومین همکاری خود را با این کارگردان آغاز کرده است.

«گاندو» مجموعه امنیتی به کارگردانی جواد افشار، تهیه‌کنندگی مجتبی امینی و به قلم آرش قادری است.

وحید رهبانی، داریوش فرهنگ، پیام دهکردی، لیلا اوتادی، سارا خویینی‌ها، علیرام نورایی، آزیتا ترکاشوند، نگار عابدی، خسرو شهراز، پندار اکبری، عرفان ابراهیمی، مجید نوروزی، علی افشار، اتابک نادری، نیلوفر شهیدی، محمدجواد طاهری، جمشید جهانزاده، بهزاد رحیم خانی، فلیپ ساپرکین، فرشته آلوسی، سارا محمدی، میثم ولیخانی، مصطفی سلطانی، یاسمین پیداودی، آیدا جعفری، ناره گرگوریان و بهامین تورانی از جمله بازیگرانی هستند که در این سریال به ایفای نقش پرداختند.

«گاندو» با حضور کامبیز دیرباز، محمدرضا شریفی‌نیا، سید مهرداد ضیایی، رضا توکلی، نسرین نکیسا، سوگل طهماسبی، کمند امیرسلیمانی، صالح میرزا آقایی و فرهاد قائمیان تصویربرداری شد.

موسیقی کلاسیک چیست؟

موسیقی کلاسیک یکی از معروف‌ترین سبک‌های موسیقی به حساب می‌آید که تعاریف مختلفی از آن ارائه شده است، ولی در واقع نوعی موسیقی است که دقیقا از روی نت نواخته می‌شود.

تحول تاریخی موسیقی کلاسیک
کلاسیکال و کلاسیک هر دو از واژه لاتین کلاسیکوس به معنای شهروند متعلق به عالی‌ترین طبقات اجتماع می‌آیند؛ بنابراین اصولا این واژه در ارتباط با هر چیزی که متعالی، درجه اول و دارای ارزش ماندگار باشد به کار برده می‌شود. در موسیقی نیز ما به دو دسته از آثار موسیقایی کلاسیک می‌گوییم.

دسته اول: آثاری هستند که در دوره‌ی کلاسیک خلق شده‌اند. دوره‌ای که بعد از باروک با هایدن شروع شد و با بتهوون تمام شد و به دوره‌ی رمانتیک رسید و در حدود سال‌های ۱۷۵۰ تا ۱۸۱۰ میلادی به طول انجامید.

دسته دوم: آثاری که در آن دوره خاص خلق نشده‌اند، اما همان موسیقی را به ذهن متبادر می‌کنند. وقتی کسی باخ گوش می‌دهد، نمیگوید من موسیقی باروک گوش می‌‌کنم، یا کسی که شوئنبرگ گوش می‌دهد، نمیگوید من موسیقی مدرن اکسپرسیونیستی گوش می‌دهم، هر دوی این افراد معتقدند موسیقی کلاسیک گوش می‌دهند و اعتقاد درستی هم دارند.

در واقع اگر بخواهیم به طور دقیق‌تر بگوییم، از نظر سبک و تحول تاریخی موسیقی کلاسیک به چهار دوره تقسیم می‌شود. این دوره‌ها عبارتند از:

۱- دوران باروک (سال‌های ۱۶۰۰ تا ۱۷۶۰ میلادی). این موسیقی دارای تزیینات بسیاری بوده و از ترکیب همزمان چند ملودی تشکیل شده است. در عین حال داری تم و ریتم یکنواختی است.

بسیاری از اصطلاحات و مفاهیم موسیقی امروز در این دوره به وجود آمده و اپرا در این دوره اهمیت زیادی پیدا کرد.
از جمله مشهورترین آهنگسازان دوران باروک، می‌توان به موسیقیدان بزرگ آلمانی یوهان سباستین باخ اشاره کرد که تاثیر زیادی بر آهنگسازان و موسیقدانان بعد از خود گذاشت.

۲- دوران کلاسیک (سال‌های ۱۷۳۰ تا ۱۸۲۰ میلادی). در این دوران تزیینات دوره باروک از بین رفته و موسیقی از پیچیدگی به سمت سادگی حرکت کرد و ساختار موسیقی بیشتر به شکل هوموفونیک (دارای یک ملودی غالب) درآمد.

سمفونی در این دوران شکل گرفت و پیانو که در اواخر دوران باروک اختراع شده بود، در آثار این دوران نقش بسیار مهمی پیدا کرد.

هایدن و موتسارت اتریشی و بتهوون آلمانی از مشهورترین چهره‌های موسیقی این دوران هستند. شاید موتسارت و بتهوون به همراه باخ سه چهره برتر کل تاریخ موسیقی کلاسیک باشند.

۳- دوران رمانتیک (سال‌های ۱۸۱۵ تا ۱۹۱۰ میلادی). همانطور که از اسم آن مشخص است کار‌های این دوره بیشتر تحت تاثیر احساسات عاشقانه آهنگسازان ساخته شده است.

موسیقی این دوران از نظر ساختار شبیه به کار‌های دوره کلاسیک است، ولی با هارمونی متنوع‌تر و توجه بیشتر به تم و ملودی. همچنین در این دوران بیش از قبل از ترانه استفاده شده و الهام ادبی در موسیقی بیشتر به چشم می‌خورد.

از جمله آهنگسازان بزرگ این دوره می‌توان به شوبرت، شوپن، شومان، چایکوفسکی، بیزه، وردی، وگنر، لیست، مندلسون، ریمسکی کورساکف و… اشاره کرد.

۴- دوران کلاسیک مدرن (قرن بیستم به بعد). آثار این دوره با ادامه آثار رمانتیک شروع شد و تحت تاثیر مدرنیسم قرن بیستم قرار گرفت. به طور کلی هم‌آهنگی کم کم جای خود را به ناموزونی در موسیقی داد.

سرگی راخمانینف، دیمیتری شوستاکوویچ، ایگور استراوینسکی، کارل ارف، ریچارد اشتراوس، جرج گرشوین و آرنولد شونبرگ از آهنگسازان مطرح این دوره هستند.

انتقال سبک موسیقی از یک دوره به دوره دیگر به طور ناگهانی اتفاق نیفتاده است و همیشه هنرمندانی بوده‌اند که با سبک‌هایی بینابین، آثار هنری خود را خلق کرده‌اند.

تعریف موسیقی کلاسیک
سوالی که اینجا مطرح می‌شود این است که تعریف درست موسیقی کلاسیک چیست؟ برای پاسخ به این سوال پاسخ یکسانی وجود ندارد!

برخی موسیقی کلاسیک را یک موسیقی جدی تعریف می‌کنند. اما آیا موسیقی گروه راکی مثل پینک فلوید شوخی است؟! آیا موسیقی جنگ قبایل بدوی در هنگام نبرد یا قبل از نبرد خیلی جدی‌تر از سمفونی‌های موتزارت نیستند؟!

بعضی معتقدند موسیقی کلاسیک نوعی موسیقی سطح بالا است که فقط افراد تحصیل کرده و آگاه به موسیقی آن را درک می‌کنند. این نیز ادعای غلطی است. برای مثال در سمفونی‌های چایکوفسکی بیش از ۱۰۰ ساز هم‌نوازی می‌کنند، حال فردی که تحصیلات موسیقی ندارد و گوش تربیت شده‌ای ندارد چطور می‌تواند تمام صد ساز که حداقل ۵ خط ملودیک و ریتمیک را به طور هم زمان اجرا می‌کنند، بشنود و متوجه شود که روند هارمونیکی که در این موسیقی هست بسیار پیچیده‌تر از موسیقی‌های دیگر است!

برخی دیگر از افراد موسیقی کلاسیک را موسیقی هنری می‌نامند. اما منظور از موسیقی هنری چیست؟ اگر منظور موسیقی برتر است که برای پاسخ به آن دوباره پاراگراف قبل را بخوانید و اگر منظور موسیقی خلاقانه است، خوب مگر در موسیقی گروه بیتل‌ها خلاقیت وجود ندارد؟!

دسته‌ی دیگری هم موسیقی کلاسیک را موسیقی ارکستری می‌دانند. در حالی که نوکتورن‌های شوپن فقط با یک پیانو اجرا می‌شوند و در عین حال کلاسیک هم هستند؛ و برعکس آیا متالیکا یا پینک فلوید با ارکستر اجرا نمی‌شوند؟ آیا هیچوقت ندیده‌اید که یک قطعه پاپ ایرانی به صورت کاملا ارکسترال اجرا شود؟

لئونارد برنشتاین در تعریف موسیقی کلاسیک گفته است: «به آن موسیقی، کلاسیک می‌گوییم که دقیق باشد».

مراحل ساخت یک قطعه موسیقی

توضیحات مراحل ساخت موسیقی ، آهنگسازی ، تنظیم ، میکس ، مسترینگ

توضیحات مراحل ساخت موسیقی :

۱ ) تهیه ترانه :

با توجه به اهمیت وجودی ترانه مخصوصا در موسیقی پاپ فارسی پیشنهاد ما استفاده از ترانه ها و اشعار ترانه سرایان و شاعران معتبر وشناخته شده ای است که خود را ثابت کرده اند که روند انتخاب ترانه توسط شما و با معرفی ما می باشد ، لازم به ذکر است که هیچگونه هزینه و یا کمیسیونی از این بابت توسط ما دریافت نمی گردد و مبلغ ترانه انتخابی بصورت توافقی با شما و ترانه سرا می باشد . البته در صورتی که خود شما ترانه سرا می باشید و یا دارای چند ترانه هستید کارشناسان ما ترانه مناسب را به نسبت سلیقه شما انتخاب می کنند .

۲ ) آهنگسازی :

در موسیقی پاپ و مشتقات آن ابتدا مطابق ترانه آهنگسازی توسط ساز زنده (گیتار کلاسیک یا پیانو) توسط آهنگساز صورت گرفته ، کوردها (آکوردها) و ملودی استخراج میگردد ، که این مراحل (فرآیند اولیه آهنگسازی) میتواند در حضور شما (صاحب اثر) صورت پذیرد .

۳ ) تنظیم موسیقی :

این مرحله از جمله تکنیکی ترین مراحل ساخت موسیقی می باشد ، به اشتباه در کشور ما تنظیم موسیقی را امری بیشتر هنری میدانند که کاملا اشتباه است زیرا تنظیم موسیقی بیشتر فرایندی علمی با اتکا بر دانش نوازندگی اکثر سازهای موسیقی از جمله : سازهای زهی ، کلاویه ، کوبه ای و بادی و همچنین تسلط بر تئوری موسیقی و اصولی چون هارمونی و … می باشد و نیاز به علم موسیقی بالا و آکادمیک دارد .

۴ ) تنظیم الکترونیک موسیقی :

این فرایند بعد از ظهور دنیای دیجیتالی و پیوند آن با موسیقی شکل گرفت و بیشتر به مسائلی چون : بالانس و اکولایز تک تک لاین های ضبط شده ، اضافه یا حذف انواع کمپرسور ها ، لیمیتر ها و … با کمک ابزارها و برنامه های دیحیتالی صورت می پذیرد .

۵ ) مراحل ضبط ساز و وکال (صدای خواننده و یا کر) :

تمامی مراحل ضبط توسط تجهیزات پیشرفته ، میکروفن های کاندنسر با دیافراگم بزرگ مناسب برای رکورد ساز و یا وکال ، پری امپ های آنالوگ و دیجیتال پیشرفته و کارت صدا و تجهیزات ورودی با کیفیت ورودی فول اچ دی صوتی صرت میپذیرد .

۶ ) میکس موسیقی دیجیتالی :

این مرحله کاملا دیجیتالی و توسط نرم افزار قدرتمند کیوبیس (CUBASE) که یکی از نرم افزارهای استاندارد حرفه ای و ساخت کمپانی اشتاینبرگ آلمان است و مهمتر از آن ابزارهای نصب شده اش که شامل ، پلاگین ها و وی اس تی های بروزی است که بانک اطلاعاتی آنها به صورت ماهیانه بروز میگردند .

۷ ) مسترینگ موسیقی (صدا و موسیقی) :

آخرین مرحله ساخت موسیقی قبل از تولید و تکثیر و عرضه به بازار می باشد ، این مرحله کاملا دیجیتالی می باشد و می تواند شامل یک یا چند مرحله باشد که بصورت خروجی از یک سیستم رک سخت افزاری و یا خروجی از نرم افزار های مستقل مسترینگ و یا توسط می اس تی های نرم افزارهای صدا برداری (میکس موسیقی) مثل کیوبیس-ایزوتوپ می باشد .

موسیقی اپرا چیست؟

اپرا سبکی در موسیقی کلاسیک است که بسیاری را به خود جلب کرده است.

اُپرا به طور کلی به عنوان اجرای روی استیج و اجرایی ترکیبی از موسیقی، لباس های خاص و یک داستان است، که بر اساس آن داستان موسیقی و آواز شکل گرفته است. اکثر اپرا دارای آواز هستند، اما ممکن است بدون بیان حتی یک کلمه باشد. کلمه اپرا کوچک شده اپرا در موسیقی ” opera in musica ” است.

زیادی از زمان کشید تا اُپرا در نهایت به شکل فعلی خود رسید. در قالب یک اپرا افرادی همچون نویسندگان، نویسندگان اشعار اُپرا، نمایشنامه نویسان، آهنگسازان، طراحان لباس و صحنه، رهبران، خوانندگان (سوپرانو دراماتیک، شعر و تِنور دراماتیک و غیره)، رقصندگان، نوازندگان، سخن رسان ” prompter “، تهیه کنندگان و کارگردانان از نزدیک با هم کار کنند تا یک اُپرا شکل بگیرند.

انواع مختلف خواندن در طول گسترش اپرا بوجود آمده که در زیر به آن اشاره شده است.

۱-از بر خوانی ” recitative ” – تقلید از الگوی و ریتم گفتار

۲-آریا ” aria ” – وقتی که یک شخصیت به بیان احساسات از طریق یک ملودی روان می پردازد.

bel canto-3 – به زبان ایتالیایی آواز زیبا

Castrato-4 – در طول دوره باروک، پسران جوان قبل از آنها به سن بلوغ برسند، برای جلوگیری از عمیق و کلفت شدن صدا عقیم می کردند تا نقشهای اصلی این اپرا را به آنها بدهند.

انواع اپرا

۱-اُپرا کمیک – یا اپرا نور. در این نوع از اپرا اغلب از نور استفاده می شود. موضوعات بسیار ظریف انتخاب می شود و در پایان آن اغلب پایان خوشی دارد. اشکال دیگر این اپرا، اپرا بوفا ” opera buffa ” و اپرای کوچک یا اپرتا ” operetta “. یک نمونه از این اپرای ” La serva padrona ” (دوشیزه به عنوان معشوقه) توسط جیووانی باتیستا پرگولسی است.
۲-اُپرا Serious – در ایتالیا، این اُپرا به عنوان اپرا Neopolitan به طور عمده به دلیل حجم آهنگسازانی که از ناپل بودند که به این نوع اپرا کمک کردند اشاره کرد. این اپراها اغلب بر داستانهایی در مورد قهرمانان و افسانه ها متمرکز می شوند. همچنین توجه به صدای انفرادی و سبک bel canto داده می شود. این سبک آواز خوانندگان اپرا در ایتالیا در طول قرن هفدهم شکل گرفت. یک نمونه از این اپرای رینالدو توسط جورج فیدریک هندل است.
۳-اُپرا Semiseria – این نوع اُپرا یک داستان جدی دارد اما پایان خوبی دارد. به همین دلیل است که بعضی از آنها به راحتی آن را به عنوان اپرایی که ترکیبی از عناصرکمیک و جدی دارد تعریف می کنند. یک نمونه از این La gazza ladra توسط Gioachino Rossini است.
۴-اُپرا Cornique – نوعی از اپرای فرانسوی است که به جای آواز، صحبت می کنند. در قالب اولیه آن، طنز بود، اما بعدها، داستان های جدی نیز استفاده می شد. مانند کارمن ” Carmen ” توسط ژرژ بیزت.
۵-اُپرا Grand – به نوع اپرا اشاره دارد که در قرن نوزدهم در پاریس ظاهر شد. این اُپرا مقیاس بزرگتری دارد. یک نمونه از این نوع، رابرت لو دیابی توسط جیاکومه میربر است.

۶-اُپرا Verismo – ایتالیایی است برای “واقع گرایی؛” این یک نوع اُپرا است که در انتهای قرن نوزدهم ظهور کرد. شخصیت ها اغلب افراد واقعی هستند و بر اساس آن اغلب ملودرام هستند. یک مثال از Pagliacci توسط Ruggero Leoncavallo است.

موسیقی درمانی چیست ؟

تاثیر موسیقی بر بدن انسان به اندازه ای است که امروزه در جهان جایگاه خاصی برای بهبود و درمان بسیاری از بیماری‌‌ها پیدا کرده است.

موسیقی درمانی حاصل ترکیب علم روان‏شناسی و هنر موسیقی است و شامل شیوه ی حسی از طریق صدا برای مقاصد درمانی است که در ارتباط با مشکلات جسمانی (نظیر مشکلات گوارشی، آسم، آلرژی ها، انواع دردهای خفیف تا متوسط، کنترل ضربان قلب و تنفس و ….) و مشکلات روان شناختی (انواع افسردگی و اضطراب‏ها، مشکلات هیجانی و عاطفی و ….) به کار می‏رود.

فرایند و تاثیر موسیقی بر بهداشت جسمانی و روانی: اثر بخشی طبی و روان پزشکی در بررسی‏های علمی مشخص شده است که شنیدن موسیقی با تغییرات ضربان قلب، نبض و فشار خون همراه می‏گردد، به شکلی که ضربان قلب انسان با اصوات موسیقایی هماهنگ گشته در مقابل فرکانس، ضرب و شدت صدا واکنش نشان داده، دچار افزایش یا کاهش می‏گردد.

برای مثال شنیدن موسیقی های آرام منجر به کاهش ضربان قلب شده و از تنش و فشار روانی می‏کاهد. در این زمینه موسیقی درمانگر بریتانیایی به نام پُل نیوهام معتقد است «موسیقی یک دستگاه، تنظیم ضربان قلب بوده و منجر به تقویت عضلات قلب و انبساط ریه‏ها می‏گردد.

همچنین موسیقی قادر است فشار خون را تغییر دهد و همان طوری که سر و صدای زیاد ممکن است باعث افزایش فشار خون تا ۱۰% شود «مکانیسم احتمالی ترشح آدرنالین و نورآدرنالین می‏باشد» آزمایشات نشان داده‏اند که فشار خون دیاستولیک و سیستولیک می‏تواند در جلسات موسیقی درمانی به تدریج کاهش یابند.

یک نکته جالب درخصوص تأثیرات موسیقی بر وضعیت جسمانی، ترشح آندرفین در پاسخ به شنیدن موسیقی خصوصاً هنگامی که اجرا به شکل زنده و توام با شعر و آواز است، می‏باشد.

آندرفین نوعی داروی مخدر در مغز است که باعث کاهش شدت درد شده و با احساس لذت و نئشگی همراه است». تحقیقات جدید موید این نظریه است که افزایش ترشح آندرفین، با افزایش میزان سلول‏های ” تــی” T و لینفوسیت‏ها که سلول های جنگجوی بدن در مقابل بیماری ها هستند،همراه می باشد. در چنین وضعیتی قدرت سیستم دفاعی بدن افزایش یافته و مقاومت انسان در برابر بیماری‏ها بیشتر می‏شود.

از سوی دیگر موسیقی روی دستگاه تنفسی اثرات مطلوب دارد، تنفس دارای ریتم است، به علاوه تنفس آرام و عمیق باعث آرامش و کنترل عواطف فرد می‏گردد و نیز با سوخت و ساز بهتر بدن مربوط است بنابراین یک موسیقی خوشایند می‏تواند از طریق لذت‏بخشی و تغییرات تنفسی، تأثیرات مثبت قابل ملاحظه‏ای بر جسم فرد داشته باشد.

به علاوه موسیقی منجر به تغییراتی در بدن می‏گردد که به هضم غذا کمک می‏کند. در این زمینه پژوهشگران دانشگاه جان هاپکینگ از موسیقی درمانی به عنوان درمان جانشین در مشکلات سؤهاضمه سود جسته اند.

فریدون شهبازیان از ارکستر ملی رفت

در پی اجرایی شدن قانون منع بکارگیری بازنشستگان در مشاغل دائم، فریدون شهبازیان چوب رهبری ارکستر ملی را به زمین گذاشت.

در پی انتشار خبر خداحافظی فریدون شهبازیان از سمت رهبری ارکستر ملی، مدیر روابط عمومی و امور بین الملل بنیاد رودکی در گفت و گوی روز یکشنبه با خبرنگار موسیقی ایرنا، ضمن تایید این خبر گفت:

موضوع خداحافظی استاد شهبازیان از ارکستر ملی ایران به عنوان رهبر دائم تازه نیست و از حدود اسفند گذشته به دلیل قانون منع حضور بازنشستگان در مشاغل دائم با توجه به اینکه فریدون شهبازیان بازنشسته سازمان صدا و سیماست و شغل رهبری ارکستر اصولا شغل دائم محسوب می شود، از ادامه همکاری با ایشان به عنوان رهبر دائم ارکستر ملی معذور بودیم.

امید صدیق ادامه داد: از این به بعد همکاری ما با این هنرمند به عنوان مشاور در امور هنری و رهبر میهمان خواهد بود. کما اینکه وی در کنسرت‌های شهرستان ارکستر ملی هم به عنوان رهبر مهمان به روی صحنه رفت.

مدیرروابط عمومی و امور بین الملل بنیاد فرهنگی هنری رودکی در باره انتخاب رهبر جدید ارکستر ملی گفت: تا انتخاب گزینه جدید رهبری دائم ارکستر ملی، برای اجراهای ماهانه ارکستر از حضور رهبران مهمان استفاده خواهیم کرد.

فریدون شهبازیان (زادۀ ۲۱ خرداد ۱۳۲۱ در تهران) موسیقی‌دان٬ آهنگ‌ساز و تنظیم کننده با سابقه ایران است که یادگیری موسیقی را از سن هشت سالگی و با ساز ویولن نزد عطا الله خرم میثاق آغاز کرد و در سن ۱۸ سالگی به عضویت ارکستر سمفونیک تهران به رهبری حشمت سنجری در آمد و در سال ۱۳۴۶رهبر گروه کر و ارکستر سمفونیک رادیو شد.

وی دانش آموخته دانشکده هنرهای زیبای دانشگاه تهران است و در دهه ۶۰ آهنگسازی برای فیلم را نیز آغاز کرد. شهبازیان به همراه علی معلم دامغانی شورای موسیقی را در صدا وسیما تشکیل دادند که وظیفه نظارت و حمایت از موسیقی پاپ را به عهده داشت.

وی هم‌اکنون بازنشسته صدا و سیما جزو منتقدین موسیقی پاپ ایران است. فریدون شهبازیان طی حکمی از سوی مدیر عامل بنیاد رودکی از سال ۱۳۹۵ به عنوان رهبر دائم ارکستر موسیقی ملی انتخاب شد.

این هنرمند در زمینه ساخت موسیقی فیلم یکی از پرکارترین آهنگسازان ایران است. وی با اینکه امروزه یکی از منتقدین سرسخت موسیقی پاپ امروز به شمار می آید، تنظیم کننده بسیاری از آثار ماندگار موسیقی پاپ ایران در دهه های گذشته بوده و سابقه همکاری با هنرمندان نام آور زیادی را دارد.

ترانه «گل گلدون من» با شعری از فرهاد شیبانی و آهنگسازی فریبرز لاچینی با تنظیم این هنرمند یکی از آثار جاودان موسیقی پاپ ایران است.

دومین آلبوم مستقل کوارتت شهرزاد منتشر شد

دومین آلبوم مستقل کوارتت شهرزاد با نام «سوی دیگر» با آهنگ‌سازی «هوشیار خیام» و تهیه‌کنندگی موسسه‌ی فرهنگی- هنری «بارانا» با حضور هنرمندانی چون حسین علیزاده، محمدرضا درویشی، جاوید مجلسی، بردیا کیارس، داود جعفری و آرش گوران منتشر و رونمایی شد.

در ابتدای این مراسم، فیلمی از اعضای کوارتت شهرزاد پخش شد که در آن درباره‌ی مراحلِ تولید این اثر توضیحاتی را می‌دادند، پس از آن «هوشیار خیام» – آهنگ‌ساز- به توضیحاتی درباره‌ی اثر پرداخت: «من آهنگسازم و آهنگساز قرار است بیش از آن که سخن بگوید، آوازش را بخواند ، اصواتش را بجوید و نغمه‌هایش را بیابد.

گاهی بی سخن اما این راه پیموده نمی‌شود. در شهری که زنان و مردان بزرگش، همچون درختان کهن‌سالش و همچون عمارت‌های قدیمش با پنجره‌های بلند و بی هراس، یکی یک از بین ما می‌روند و جایشان دیگر پر نمی شود، ما تنهایی خود را در اصوات می‌جوییم و راه را دست در دست با اصوات می‌پیماییم.»

او ادامه داد: «ما موسیقی دان های کلاسیک غربی نام گرفتیم چون که ساز در دست‌مان نامی غربی دارد.

به واسطه ساز، انتظار وامداری مغرب زمین از ما رفت، گاه حتا مُهر مغربی بر پیشانی ما خورد، اما اگر هشتصد سال تاریخ موسیقی کلاسیک غرب، با آن همه زیبایی و عمقش، با تمام تنوع بی بدیلش شگفتی مان را بر می انگیزد، ریشه ی دیگرمان در موسیقی و فرهنگ اقلیممان است.

ریشه‌های من در موسیقی جلیل شهناز است، با آواز و رقص های آذری بزرگ شدم، خود را شاگرد هوشنگ ظریف می‌دانم و لحظه‌های آنی و بی‌خبری بداهه‌های حسین علیزاده را در خلوت نت کرده و آموخته‌ام.

از باخ و دوفایی تا منصوریان و کانچلی، این اقیانوس با هر موجش، نقره‌هایش را به صورتمان می پراکند و خیس و عطرآگین مان می‌کند. موسیقی کلاسیک غرب یکی از این دریاهای پهناور است که با هزاران خلیج به دیگر دریاهای موسیقی راه می‌یابد، هیچ یک از دیگری جدا نیست، هیچ‌یک بی تاثیر از دیگری نیست. نه خاور، نه باختر، نه شمال، نه جنوب، که همه با هم زبان موسیقی ما را شکل می دهد.»

«خیام» همچنین به این مساله اشاره داشت که: ««سوی دیگر» موسیقی ما، موسیقی جهان است و ما نیز بخشی از آن، از موسیقی «خیال خوانی» هندوستان تا آوازهای بلغار، موسیقی کولی و عبری و عرب و کردی و همه موسیقی‌های دیگر، که همه به درستی «کلاسیک» نام می‌گیرند و ریشه‌های موسیقایی ما را شکل می دهند.

از زریاب که نغمه‌های آندولوس را شکل می دهد تا امروز که موسیقی آندولوس، ما را شکل می دهد، همه پلی است که ما را به اصلِ خود و به اساسِ صوت، به مفهوم مجرد زیبایی نزدیک تر می‌کند.»

در ادامه بار دیگر فیلمی از اعضای کوارتت پخش شد که طی آن «تینا جامه‌گرمی» – نوازنده‌ی ویولون- درباره‌ی شکل‌گیری کوارتت توضیح داد: «من به همراهِ نگار نوراد، تصمیم گرفتیم تا کوارتتی را شکل دهیم که تا امروز به فعالیت‌هایش ادامه می‌دهد؛

در این میان از «هوشیار خیام» آهنگسازی که آشنایی‌مان به بیش از ۲۰ سال بازمی‌گردد، خواستیم تا اثری را در اختیارمان قرار دهد که آن «سوی دیگر» بود. این قطعه بسیار پیچیده بود و ما مدت‌ زمانی طولانی صرفِ تمرین برای اجرایش کردیم.»

«تینا جامه‌گرمی» همچنین به این مساله اشاره داشت که در ضبطِ استودیویی اثر «نیلوفر سهی» به عنوان نوازنده‌ی ویولون‌آلتو حضور داشت که به علت مهاجرت او به خارج از کشور برای تحصیل، هم‌اکنون «لعیا اعتمادی» به عنوان نوازنده‌ی ویولون آلتو با کوارتت همکاری می‌کند و در اجراهای اثر نیز حضور داشته است.

«نگار نوراد» نیز از همکاری طولانی مدت اعضای کوارتت گفت و اینکه آشنایی‌شان با «هوشیار» خیام به زمانی باز می‌گردد که در هنرستان موسیقی تحصیل می‌کردند. «یگانه حسینی‌نیا» نیز از اجرای این قطعه ابراز خوشحالی کرد.

اما «تهمورس پورناظری» – آهنگساز و نوازنده‌ی موسیقی ایرانی از روند شکل‌گیری این کوارتت گفت: «خیلی خوشحالم که همکاری بارانا و کوارتت شهرزاد در این سال‌ها توانست اثراتی را به وجود آورد که برای من بسیار دل‌پنسد است.

این همکاری برای من جذابیت‌هایی دارد که از جمله‌ی آن این است که چهار دختر ایرانی که نمونه‌هایی از مادران آینده‌ی این سرزمین هستند، توانسته‌اند موسیقی هنری و با ارزش را با زحمت فراوان و پیگیری بسیار به سرانجام برسانند.»‌

او صدادهی این کوارتت را چیزی دانست که اهلِ فن نیز به آن صحه می‌‌گذارند و در عین حال اظهار امیدواری کرد که این اتفاق، نمونه‌ای برای موسساتِ دیگر باشد: «همدلی در این کار بسیار جالب بود و مثال زدنی.

آهنگساز و نوازندگان، همه پیوسته با عشق این کار را از روز آغاز تا پایان پیش بردند؛ اما شاید مهم‌ترین دلیلی که من از اعضای شهرزاد خواستم که این کوارتت را ادامه دهند، اعتقادی است که به جوان ایرانی دارم و اثرگذاری‌ای که دختران ایرانی می‌توانند در جامعه داشته باشند.»

پخش صحبت‌هیا «بردیا کیارس» – آهنگساز، نوازنده و رهبر ارکستر- از دیگر بخش‌های این برنامه بود. او توضیح داد: «آشنایی من با اعضای کوارتت شهرزاد به سال‌هایی باز می‌گردد که در هنرستان موسیقی درس می‌‌خواندیم؛

در رشته‌ی ما فعالیتِ بین‌المللی بسیار دشوار است و در این میان من به تک تک اعضای این گروه افتخار می‌کنم که همه‌شان در سطحی طراز اول کار می‌کنند. در این میان «هوشیار خیام» نیز آهنگ‌سازی بسیار فعال است که هیچ‌گاه خود را به سفارش محدود نکرده است و همواره نوشته است.»

«کیارس» به این مساله اشاره کرد که این کوارتت دارای کاراکترِ خاص خود است و حضورش می‌تواند به آهنگ‌سازان برای ساختِ موسیقی انگیزه دهد.»

«پری‌یوش گنجی» – نقاش- که اثرش در طراحی جلد این اثر مورد استفاده قرار گرفته است، این مساله را توضیح داد که این اثر از مجموعه‌ی «شب، روز، شب» انتخاب شده است که دو سال پیش نمایشگاه آن برگزار شده است. او اعضای این کوارتت از جمله «تینا جامه‌گرمی» را جواهرانی در موسیقی کلاسیکِ امروز دانست.

انواع دستگاه های موسیقی ایرانی

دستگاه ها هفتگانه موسیقی ایرانی چطور کار می کنند؟

ردیف موسیقی ایرانی از دو بخش اصلی و فرعی تشکیل می شود. قسمت اصلی اش شامل هفت تا دستگاه می شود هر کدامشان حال و هوا و البته طرفداران خاص خودشان را دارند. این هفت دستگاه، موسیقی اغلب نواحی ایران را دربر می گیرند و خیلی از آهنگ های نوستالژیک دوران کودکی مان را هم در دل خود جای داده اند.

۱- شور

خیلی از آهنگ هایی که در جشن ها پخش می شود، در همین دستگاه شور ساخته شده اند. همانطور که از اسمش هم پیداست، موسیقی این دستگاه پر است از شور و انرژی. شور یکی از دستگاه های بسیار بزرگ موسیقی ایرانی به حساب می آید که حال و هوای آن به موسیقی ایرانی به حساب می آید که حال و هوای آن به موسیقی منطقه مازندران نزدیک است. البته این دستگاه نغمه هایی ملهم از موسیقی مناطق مرکزی ایران و کردستان هم شنیده می شود.

نمونه: آلبوم یاد ایام استاد شجریان و به خصوص خود تصنیف یاد ایام یکی از نمونه های خوب دستگاه شور است. آلبوم «زیباترین» علیرضا افتخاری و «مرا عاشق» شهرام ناظری هم دو نمونه مشهور دیگر از این دستگاه بزرگ هستند.

۲- نوا

به علت شباهتی که به دستگاه شور دارد، شناختش کمی به آگاهی نیاز دارد. در واقع اگر دستگاه شور را خوب بشناسید می توانید به تفاوت نغمه های نوا با شور پی ببرید. با این حال اگر دلتان یک شور و حال حسابی می خواهد، می توانید پیگیر آهنگ های این دستگاه هم بشوید.

نمونه: تصنیف «رفتم در میخانه» و آلبوم «نوا مرکب خوانی» از محمدرضا شجریان دو نمونه از این دستگاه هستند. «کنسرت نوا» از حسین علیزاده که دو نوازی تار و تنبک است و آلبوم «نینوا» باز هم از حسین علیزاده از دیگر نمونه های این دستگاه هستند.

۳- ماهور

ماهور یکی از دستگاه های گسترده موسیقی ایرانی محسوب می شود که حال و هوای کاملا شادی دارد. اگر دلتان می خواهد با شنیدن یک موسیقی سنتی حسابی روح و روانتان شاد بشود، آهنگ هایی از این دستگاه را گوش کنید که اتفاقا نمونه های زیادی هم دارد.

بعضی از زبان شناس ها می گویند واژه «ماهور» تغییر یافته واژه «ماژور» یکی از گام های اصلی موسیقی غربی است. جالب اینجاست که حال و هوای هر دویشان هم مشابه است. این دستگاه چند بخش دارد که بعضی بخش هایش به موسیقی منطقه سیستان و بلوچستان، بعضی هایش به موسیقی خراسان و لرستان و یک قسمت های دیگرش هم به موسیقی آذری آذربایجان نزدیک است.

نمونه: آهنگ معروف «مرغ سحر» ساخته مرتضی نی داوود یکی از نمونه های شناخته شده این دستگاه است. مرتضی نی داوود، یکی از شاگردان خوب میرزا حسینقلی و درویش خان خودش هم یکی از ردیف دان های موسیقی ایرانی بوده. شروع این آهنگ کاملا الهام گرفته از درآمد ماهور است. «ز من نگارم خبر ندارد» از آلبوم آهنگ وفا و «ز دست محبوب» از آلبوم شب وصل هم در این دستگاه خوانده شده اند.

۴- چهارگاه

بعضی از دستگاه ها به زمان مشخصی از روز تعلق دارند ومعمولا آن موقع روز است که شنیدنشان به دل آدم می چسبد. چهارگاه دستگاهی است که کاملا به صبح ها اختصاص دارد. کافی است یکی از آهنگ های این دستگاه را اول صبح یا در زمان خمودگی و کسالت گوش کنید تا انرژی تان برای یک روز کامل جفت و جور بشود.

نمونه: قطعه معروف «سلام» کسایی که در آلبوم «صبحگاهی» علیزاده به زیبایی اجرا شده، نمونه ای زیبا از یک قطعه موسیقی ایرانی در دستگاه چهارگاه است که خیلی هایمان سال ها اول صبح هایمان را با آنها شروع کرده ایم، بدون اینکه بدانیم در این دستگاه ساخته شده اند. آلبوم «دستان» محمدرضا شجریان هم در این دستگاه کار شده. قطعه بی کلام «دخترک ژولیده» علینقی وزیری هم در این آلبوم مثال خوبی برای آشنایی با فضای چهارگاه است.

۵- همایون

یکی از دستگاه های بسیار غمگین ایرانی که میزان غمش از آواز دشتی هم بیشتر است! اگر بغض توی گلویتان گیر کرده و بهانه می خواهید برای اینکه هر آنچه در دل دارید بیرون بریزید، یکی از آهنگ های این دستگاه را پلی کنید و سر و صورتتان را بسپارید به سیل اشک.

نمونه: قطعه «شد خزان گلشن آشنایی» جواد بدیع زاده و آهنگ معروف «اگر بار گران بودیم رفتیم» در این دستگاه ساخته شده اند. آهنگ «کاروان» شهرام ناظری که بارها در تلویزیون بر روی نماهنگی مرتبط با شهدای جنگ تحمیلی شنیده شده هم یکی دیگر از نمونه های این دستگاه است.

۶- راست پنجگاه

یکی از دستگاه های مهجور ایرانی است که خیلی کم کار شده. راست پنجگاه شباهت هایی به دستگاه ماهور دارد. توی حرکت نت هایی که برای گوشه های هر دستگاه نوشته شده یک روند مشخص بالارونده یا پایین رونده وجود دارد. نت های موجود در دستگاه راست پنجگاه و ماهور کاملامشترک هستند اما این حرکات و گردش ملودیشان است که با هم فرق دارد.

نمونه: آلبوم «چشمه نوش» و آلبوم مشترک حسین علیزاده و علیرضا افتخاری با نام «راز و نیاز» دو نمونه خیلی خوب این دستگاه هستند.

۷- سه گاه

بعضی می گویند سه گاه، منشعب شده از دستگاه چهارگاه است. «سه گاه» علاوه بر حالت بیدارکننده که مشخصه اصلی دستگاه چهارگاه است، بعضی جاها حالت شور و وجد دارد که آن هم به خاطر عوض شدن یکی دو نت کوچک است. این دستگاه شباهت هایی هم به دستگاه شور دارد و خلاصه مناسب است برای اینکه درجه حالتان را چندتایی ارتقا بدهد!

نمونه: آهنگ رسوای زمانه علیرضا قربانی در آلبومی با همین نام که با همایون خرم کار کرده در این دستگاه است. تصنیف «آسمان عشق» در آلبومش با همین نام و تار زلف، غم عشق و دل شیدا آلبوم «رسوای دل» و به ویژه آهنگ های «از غم عشق تو» این آلبوم، به خوبی این دستگاه را معرفی می کند.